執筆者：遠藤友香

1921年にイタリア・フィレンツェで創設された「GUCCI（グッチ）」は、世界のラグジュアリーファッションを牽引するブランドのひとつとして知られています。

この度、GUCCIのクリエイティブ･ディレクターであるサバト・デ・サルノの発案のもと、ファッションとGUCCIのコレクションをとりまく表現世界を探求するブックシリーズ『Gucci Prospettive』が誕生しました。

第4弾となる今回は、対照的かつ多様な世界が共存しながら、絶え間なくクリエイティブな交流が行われている国際都市であるロンドンに焦点を当てたもの。「あらゆるものを受け入れるオープンなスピリットこそが、ロンドンを選択した理由である」と、サバト・デ・サルノは述べています。また彼は、「GUCCIで私にとって初めてのクルーズコレクションの舞台となる場所を選ぶとき、ロンドンは自然な選択でした。この街は私に大きな影響を与えてくれました。人生の岐路に立った時、この街は私を歓迎し、耳を傾けてくれました。同じことがグッチオ・グッチにも言えます。彼の物語は、ザ・サヴォイとの魔法のような出会いを果たし、伝説のように語り継がれるものとなりました」と語っています。

Courtesy of Gucci

20世紀初頭のザ・サヴォイ ホテルから、GUCCI 2025年クルーズ ファッションショーの会場となったテート・モダンのタンクまで、ロンドンとGUCCIの道は幾度となく交差してきました。人々とアイデアをつなぐ象徴的な場所であるテート・モダンは、この街の二面性を体現しています。コンクリート打ちっぱなしのタンクに詩情豊かなグリーンを取り込んだ空間は、ファッションショーの完璧な舞台となり、過去と現在をつなぐ絶え間ない対話を生み出しながら、グッチと英国の首都ロンドンとの強い絆をさらに際立たせました。

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『Gucci Prospettive』は今回もContrasto社から出版され、新たな地平を探求するためのプラットフォームを提供します。第4弾となる「Ancora Londra」は、クリエイティブスタジオ「A Vibe Called Tech」の創設者であるシャーリーン・プレムペとクリエイティブ・ディレクターの ルイス・ダルトン・ギルバートがキュレーションを手掛け、相反する要素が混在するロンドンに、多様なカルチャーが共存するだけでなく、相互の対話が生まれ続けている理由を理解し解き明かすことを試みています。

「ロンドンは夢見る人々の街です。思いがけないところからインスピレーションが湧き、偶発的に、時には驚くような形でアイデアに命が吹き込まれます」。「ロンドンを東西南北で分けて語ろうとしても、結局はステレオタイプやありきたりなイメージに行き着いてしまいます。この街も、そこで生きる人々も、一言で分類するのは難しいのです。なぜなら、彼らとこの街が本当に体現しているものは、私たちが抱える内なる矛盾の美しさと緊張感だからです」と、プレムペとギルバートは語っています。

Courtesy of Gucci

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プレムペとギルバートは、4つの章「DREAM BUILDINGS／PEOPLE WATCHING／WATCHING PEOPLE／BUILDING DREAMS」を通して、空間と個人の結びつきに着目し、その関連性を見事に描き出しました。モダニズムの大胆なラインが目を引くバービカン・センターからメイフェアのクラシックなエレガンスに至るまで、ロンドンの建築は深い歴史的ルーツを守りながら、絶えず自己改革を続けてきたことを物語っています。本書で描き出されるロンドンは、予期せぬインスピレーション源となるさまざまな体験の集合です。ここでは、建築とスタイルの組み合わせにおける対照的な文化が見られ、各ページが新たな発見の機会となっています。

Courtesy of Gucci

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本書はロンドンへの賛辞であると同時に、未来への考察でもあります。対照的な要素をインスピレーション源として捉え、住む人々、訪れる人々、そして夢見る人々に継続的に影響を与え続けるロンドンという都市の再生力とクリエイティビティを探求しています。『Gucci Prospettive』第4弾の制作にあたって、サバト・デ・サルノは、シャーリーン・プレムペとルイス・ダルトン・ギルバートに、故郷に捧げるこの特別なエディションのキュレーションを依頼しました。 

本書は、2024年5月にロンドンのテート･モダンで発表されたGUCCI 2025年クルーズ コレクションのローンチと同時に出版されます。2024年11月14日、ニューボンドストリートのGUCCIショップで出版を祝うイベントが開催され、3階のGUCCIサロンではキュレーターたちとのディスカッションが行われ、その後、1階のGUCCIショップでのレセプションにゲストが集いました。

先日、ニューボンドストリートのGUCCIショップでは、新たなアートコレクションが展示されました。そこには『Gucci Prospettive 4: Ancora Londra』に登場しているRachel Whiteread、Cerith Wyn Evans、Bob and Roberta Smith、Corbin Shaw、Remi Ajani、Sonia BoyceやSunil Guptaといったアーティストたちの作品も含まれています。

執筆者：遠藤友香

三井物産株式会社と三井不動産株式会社の開発によりオープンした「Otemachi One」で展開中の、アーティスト YOSHIROTTENによる大型パブリック・アートのシリーズ作品《RING PARK》。《RING PARK》の第3弾作品である《彩雲の柱 / Pillars of the Iris》が、2024年12月25日まで公開中です。光をテーマにした作品と音楽で、ホリデーシーズンを幻想的に彩ります。

「Otemachi One」は、大手町「一丁目」から世界に向けて新しい価値を発信し続ける「オンリーワン」の街として開発され、「大手町三井ホール」と約30の商業店舗とオフィスビル、そして「フォーシーズンズホテル東京大手町」が融合した大規模な施設です。

同施設からのオファーを受けたYOSHIROTTENが年間を通して全3回のパブリックアート作品を発表。その環境から着想を得た《RING PARK》というタイトル・コンセプトの下に、日本有数のビジネス街で展開される気鋭アーティストの作品群は、施設の緑地エリアや巨大窓ガラスなどを活かし調和するサイトスペシフィックな試みとなります。

《RING PARK》は、2024年を通して展開されるパブリックアートのシリーズ作品です。このシリーズ作品の制作を開始した際、YOSHIROTTENは最初にメイングラフィックと呼ばれる図案を制作しました。この図案は大手町の「O」をモチーフにしています。4つの「O」の重なり合いは、この場所に集まる人々が出会い交差し繋がる様子を表現しています。また、同時に4つの季節でもあり、色の変化はその移ろいを表しています。《RING PARK》は、通年を通して場所や手法・素材を変えながら様々なかたちで発表されます。メイングラフィックも色彩や形状を変化させながら登場します。

今回で《RING PARK》の最終回となる作品《彩雲の柱 / Pillars of the Iris》は、施設の緑地である「Otemachi One Gerden」を会場に発表されるインスタレー ション作品です。YOSHIROTTENの探究するテーマである光を用いたアートが、煌めくような特別な空間を作り出します。また、YOSHIROTTEN作品の音楽制作パートナーである電子音楽家TAKAKAHNが本作のために制作したアンビエントミュージックも、非日常的な体験に誘ってくれることでしょう。 

ぜひ、「Otemachi One」に足を運んで、YOSHIROTTENによる作品《彩雲の柱 / Pillars of the Iris》の世界感に酔いしれてみてはいかがでしょうか。

＜YOSHIROTTEN プロフィール＞

アーティスト YOSHIROTTEN氏

ファインアートと商業美術、デジタルと身体性、都市のユースカルチャーと自然世界など、複数の領域を往来するアーティスト。2023年にアートプロジェクト「SUN」を発表し、幕張新都心の陸・海・空で展開された大規模な市街展示を含むいくつかの機会でインスタレーション作品を展開。2024年10 月、鹿児島霧島アートの森で自身初となる美術館での展覧会を開催。

■「Otemachi One Public At by YOSHIROTTEN RING PARK
season3《彩雲の柱/ Pillars of the Iris》」

会場：東京都千代田区大手町1丁目2-1 Otemachi One 1F
Otemachi One Garden （大手町駅C4、C5 出口直結）
会期：2024年11月25日（月）～12月25日（水）
入場：無料
OTEMACHI ONE

執筆者：遠藤友香

2023年開業した「虎ノ門ヒルズ ステーションタワー」最上部に位置する新たな情報発信拠点「TOKYO NODE（東京ノード） 」。イベントホール、ギャラリー、レストラン、ルーフトップガーデンなどが集積する、約10,000㎡の複合発信施設です。 施設内には、ミシュランで星を獲得したシェフによるレストランや、イノべーティブなプレイヤーが集まり共同研究を行う「TOKYO NODE LAB」も併設。「NODE＝結節点」という名のとおり、テクノロジー、アート、エンターテインメントなどあらゆる領域を超えて、最先端の体験コンテンツ、サービス、ビジネスを生み出し、世界に発信していく舞台となっています。

この度、森ビル株式会社、NHK、NHKエデュケーショナル、NHKプロモーションは、2025年4月18日（金）～2025年9月23日（火・祝）の期間、「TOKYO NODE（東京ノード）」にて、デザインを体感する展覧会「デザインあ展neo」を開催することを発表しました。過去2期にわたり、累計116万人が来場した「デザインあ展」をアップデートし、このたび歴代最長会期での開催となります。

「デザインあ展」は、これまで2013年に「21_21 DESIGN SIGHT」で、2018年～2021年には「日本科学未来館」、「富山県美術館」など全国6つの美術館で開催され、先にも述べた通り、のべ116万人の方が来場しました。

3 回目となる「デザインあ展neo」では、作品を新たに制作し、子どもたちにデザインについてさまざまな思考・発見を楽しんでもらう展示を行います。「みる（観察）」「かんがえる（考察）」「つくる・あそぶ（体験）」のステップでデザインを体感していく作品や、360度のスクリーンに囲まれて映像と音楽をからだいっぱい感じる作品など、「あ展」ならではの作品群をパワーアップして展開します。

「デザインあ展neo」総合ディレクター 佐藤卓氏

「デザインあ展neo」総合ディレクターの佐藤卓（さとうたく）氏は、「これまで116万人の方にお越しいただいた『デザインあ展』が、さらにバージョンアップした『デザインあ展neo』として開催できることになりました！ あらゆる人の営みにデザインは欠かせないとしたら、子どもの頃からデザインマインドは育んだ方がいいのではないかという想いから生まれた番組を、展覧会化したのが『あ展』です。子どもから大人まで楽しめる新しい展示を、今いっぱい用意していますので、ぜひお越しいただきたいと思います」と述べています。

本展のチケット料金や開催時間などの詳細は、2025年1月下旬より順次特設サイトにて発表していくとのこと。新しい「デザインあ展neo」に、どうぞご期待ください。

■デザインあ展neo（Design Ah! Exhibition neo） 

開催期間：2025年4月18日（金）～2025年9月23日（火・祝） 

会場：TOKYO NODE GALLERY A/B/C （東京都港区虎ノ門2-6-2 虎ノ門ヒルズ ステーションタワー 45F） 

チケット：2025年1月下旬詳細発表・2月発売予定

主催：TOKYO NODE／NHK／NHKエデュケーショナル／NHKプロモーション 

https://exhibition-ah-neo.jp 

執筆者：遠藤友香

一般社団法人新虎通りエリアマネジメントは、2025年1月8日（水）まで、今年開通10周年を迎えた新橋・虎ノ門を結ぶ新虎通りで、「えがお」を描き「ひかり」を灯すイルミネーション企画「ひかりの実 2024」を開催中です。

「ひかりの実」は、美術家の髙橋匡太さんが考えた、みんなで作る参加型のイルミネーション作品です。果実袋に「えがお」を描き、LED の光を入れて樹木に取り付けます。みんなの「えがお」が、たくさんの「ひかりの実」となって灯り、あたたかな夜の風景をつくります。 

髙橋さんは「昨年に引き続き今年は10周年事業としての取り組みの中、たくさんの皆さんのご協力、ご参加いただき本当に嬉しく思います。1500人の方のだれかの笑顔を思うやさしい気持ちがこもった、たくさんのひかりの実が新虎通りに灯る様子は、道ゆく人を暖かい気持ちにさせてくれることでしょう」とコメントしています。

新虎通りでは、昨年初めて「ひかりの実」企画を開催しました。地域の小学校や保育園、近隣居住者やオフィスワーカーの方にご参加いただき、約400もの「えがお」が集まり街を彩りました。そして、新虎通りエリアマネジメント設立10周年を迎えた今年、近隣企業のご協力の元、「ひかりの実」がパワーアップして帰ってきます。 

昨年は新虎通り歩道街路樹2本に「ひかりの実」が設置されましたが、今年は大幅に拡大し、15本の樹木への設置が決定。新虎通りエリアマネジメント会員企業の方々と共に、新虎通りの冬を灯します。

新虎通りは、2023年に東京都内で初めて「歩行者利便増進道路（ほこみち）」として利便増進誘導区域に指定され、食事施設の設置、イベントの開催などによる賑わいの創出を図ってきました。今後も新虎通り全体を活用した企画を連続的に展開することで、新橋・虎ノ門エリアのさらなる活性化に貢献していくとのことです。

新虎通りエリアマネジメント事務局担当者は「おかげさまで新虎通りエリアマネジメントは設立10周年の節目を迎えることができました。これからも地域の皆様や近隣企業様から、エリアマネジメント活動へのかかわりやご支援をいただきながら、これからの10年に向けて新虎通りを更に盛り上げていきたいです。

『ひかりの実』は誰もが参加できる参加型の光の作品で、今回もお子様から大人まで多くの皆さんに『えがお』を描いていただきました。これからも『ひかりの実』をはじめ、エリアマネジメント活動を通じて地域のつながりをつくっていけたらと考えています」と述べています。

＜髙橋匡太（たかはしきょうた） プロフィール＞

 光や映像によるパブリックプロジェクション、インスタレーション、パフォーマンス公演など幅広く国内外で活動している。京都市京セラ美術館、東京駅100周年記念ライトアップ、十和田市現代美術館など建築物へのライティングプロジェクトは、ダイナミックで造形的な光の作品を創り出す。多くの人とともに作る「夢のたね」、「ひかりの実」、「ひかりの花畑」など大規模な参加型アートプロジェクトも数多く手掛けている。

■「ひかりの実 2024」

日時：2024年12月2日（月）〜2025年1月8日（水） 

場所：新虎通り 

主催：新虎通りエリアプラットフォーム協議会（一般社団法人新虎通りエリアマネジメント・港区芝地区総合支所） 協賛企業：キーコーヒー株式会社、トラスコ中山株式会社、株式会社同和ライン、株式会社永谷園ホールディングス、 森ビル株式会社、安田不動産株式会社、公益財団法人東京都道路整備保全公社、独立行政法人都市再生機構、日鉄興和不動産株式会社、大林新星和不動産株式会社、 株式会社フジタ、トヨタモビリティ東京株式会社、株式会社デンソー、東洋海事工業株式会社（サンブリヂグループ） 

https://shintora-am.jp/hikarin...  

執筆者：遠藤友香

今年創業100周年を迎えたイタリア発「Loro piana（ロロ・ピアーナ）」。この度、100年の歴史と伝統を祝して、著述家、歴史家、ジャーナリストのニコラス・フォルケス執筆による、先見の明を持つ起業家ファミリーの驚くべき物語を綴った書籍 『Master of Fibres』 をアスリーヌ社より発売します。

それは、6世代にわたって受け継がれてきた卓越性、職人技、そして比類ないものへの情熱の物語です。本書では、ロロ・ピアーナの最も重要なマイルストーンを描き、毛織物商から今日のメゾンの姿へとどのように成長したかを語ります。

著者のニコラス・フォルケスは、ロロ・ピアーナ・ファミリーのメンバーへの広範なインタビューを通じて事実と物語を収集し、ロロ・ピアーナのアーカイブである写真や歴史的文書を深く掘り下げることで、イタリアのノウハウと職人技に深く根ざしたロロ・ピアーナの世界における忘れられない瞬間を浮き彫りにしながら、時を超えた特別な旅へと読者を誘います。

本書は、1800年代半ばに毛織物商のジョヴァンニ・ロロ・ピアーナに与えられたパスポートから、究極の品質、エレガントなシルエット、そして世界で最も貴重な繊維の取り扱いで知られるラグジュアリーメゾンへと成長した、1世紀以上にわたる卓越した歴史を描いています。 

1924年、ピエトロ・ロロ・ピアーナは、ピエモンテ州セージア川の渓谷、ヴァルセージアに毛織物工場を設立しました。セージア川は上質な織物の生産に欠かせない、澄んだきれいな水で知られています。1980年代は、ピエール・ルイジとセルジオ・ロロ・ピアーナの努力により、今や世界的アイコンとなったグランデ・ウニタ・スカーフのような独自の製品が完成しました。セルジオ・ロロ・ピアーナは生まれながらのスタイル感覚を持ち、ピエール・ルイジは卓越性と世界最高の繊維の発見に対する飽くなき探求心を持つエンジニアでした。兄弟は完璧にお互いを補い合い、その結果洗練された控えめなスタイルと自然が与えてくれる極上の原材料、ビキューナ、ザ・ギフト・オブ・キングス®、カシミヤ、ベビーカシミヤ、ロータスフラワーなどで緻密に作られた、エフォートレスでリラックス感のあるウェアが誕生しました。ロロ・ピアーナでは、卓越したテキスタイル・エンジニアリングと伝統的な職人技が、自然がもたらす極上の原材料と融合し、愛好家のために素晴らしい逸品を生み出しています。

196ページにおよぶこの手作りの本には、150点のイラストや写真が掲載されており、セルジオ・ロロ・ピアーナのお気に入りのファブリックのひとつであるコットンとリネンで作られたロロ・ピアーナ・テラ・セルジオの生地で覆われた、豪華なクラムシェルケースに収められています。表紙はメゾンの職人技の証であり、触り心地も良く、豊かな感覚的品質への賛辞です。本書は、アスリーヌ社のアルティメット・コレクションの一部で、伝統的な技法で手製本され、アート品質の紙に色見本が手仕事で付けられています。 

書籍 『Master of Fibres』 は2024年11月21日より、ロロ・ピアーナ銀座店とアスリーヌ直営店、およびAssouline.comで発売中です。

執筆者：遠藤友香

昨年2023年に始まった、史跡が舞台となったアートプロジェクト 「アートサイト名古屋城」。名古屋城「秋の特別公開」として、6組のアーティストによる作品と史跡が交差する「アートサイト名古屋城 2024 あるくみるきくをあじわう」が、2024年12月15日（日）まで開催中です。会期中、夕暮れから夜間にかけて楽しめる3日間（12月6日（金）・7日（土）・8日（日））限定の特別イベント『ナイトミュージアム名古屋城』も行われます。

尾張藩の拠点として築かれて以来、名古屋の成長を見守ってきた名古屋城は、国内外より年間200万人以上もの人々が訪れる観光名所としても知られています。本プロジェクトでは、古くから人々が楽しんできた『観光』という行為そのものに着目。地域の重要な観光資源ともいえる名古屋城を舞台に、高力猿猴庵、蓑虫山人、狩野哲郎、久保寛子、菅原果歩、千種創一 + ON READINGといった古今の6組のアーティストによる「あるくみるきく」から出現する大規模な作品を通じて、名古屋城の魅力をまた違った角度から体感できるまたとない機会となっています。

民俗学者の宮本常一は「歩く」「見る」「聞く」を旅の基本とし、日本観光文化研究所を設立し、雑誌『あるくみるきく』を刊行しました。観光地としてよく知られる史跡名古屋城を会場とする本展は、宮本による「あるく」「みる」「きく」という態度に着想を得ています。

（左から）アートサイト名古屋城プロデューサー・プロジェクトマネージャー 野田智子氏、キュレーター 服部浩之氏

アートサイト名古屋城プロデューサー・プロジェクトマネージャーの野田智子氏は、「このアートサイト名古屋城は、去年からスタートしました。名古屋城主催で現代アートを紹介するというのは、初めての事業です。去年は『名古屋城 2023 想像の復元』というテーマで展覧会を開催し、名古屋城が長年取り組んできた改修や復元といったものに着想を得て行いました。実は名古屋城は年間200万人以上のものが人々が集まってくる、日本有数の観光地なので、今年はそういった観光や人間が観光する営みそのものを表現するような企画を考えました」と述べています。

キュレーターの服部浩之氏は「いわゆる美術館などの展覧会場ではなく、名古屋城というお城を観光で見に来る方が多い場所です。観光地として名古屋城を楽しんでいただく中で、同時に名古屋城内でのアート作品もご覧いただければと思います」と語っています。

次に、アートプロジェクト 「アートサイト名古屋城」の中でおすすめの作品を3つピックアップします。

1．狩野哲郎

植物や鳥など、人間以外のものたちへと目を向ける狩野哲郎氏は、屋外の水飲み場やバナナ（芭蕉）の木など、通常の観光ではあまり注目されない場所に立体作品を展開します。

さらに本丸御殿表書院内では、対面所の障壁や襖に描かれた動植物への応答ともなるような立体作品を四部屋にわたって展開しています。狩野氏は「ここには何らかの調度品が置かれていたと思うのですが、藩主たちがもしその時代に存在し得なかったこういったオブジェや物を見たときに、誰か面白がる人がいればいいなという思いで作品を制作しました。江戸時代には絶対になかったもので、現在もたくさんあるわけではないのですが、そういう時代のものを中心にチョイスしています」と語りました。

2．久保寛子

地域に伝わる神話や伝承、歴史などに着想を得て彫刻作品を制作する久保寛子氏は、本展では火災から城を守るとされるシャチホコに着目します。シャチホコのルーツは水を司る神獣マカラにあるとされ、さらにその起源を辿ると古今東西の神話に登場する龍へと行きつきます。

「私は、現代アートというジャンルで彫刻をやっていますが、古くていいものを見るたびに、そこには敵わないというか、圧倒的な敗北感みたいなものが常にあって、古いものの時間に支えられてきた歴史にすごくリスペクトがあります。

現代アートはすごく個人的な視座で作るものなので、大きな歴史に支えられたものと対比する上で、何を作ろうか考えました。私は彫刻をやっているので、今回しゃちほこをモチーフに選びました。シャチホコは、水害や火災の際の水の守り神として作られたという点を踏まえ、ルーツを探っていきました。

日本にはシルクロードを通って、龍という形が伝えられてきたといいます。そこを手掛かりに、何とか自分のやってきたことと、名古屋城の歴史に接続したいという思いで作品を作りました」と語っています。

3.菅原果歩

2000年生まれの菅原果歩氏は、名古屋城に棲まうカラスに着目します。昼間は観光客で賑わう名古屋城ですが、夜にはたくさんのカラスが舞い戻ります。菅原氏はカラスたちの様子をサイアノタイプという日光を用いた写真とフィールドノートにより記録しています。

菅原氏は「名古屋城内にテントを張らせていただいて野営しながら、カラスとともに寝て、カラスととも起きる生活をずっとしていました。

太陽とカラスというのは密接な繋がりがあるということが、今までリサーチの中でわかりました。太陽とカラスの繋がりは、神話、伝承とか、日本人だけでなく、中国、韓国、またギリシャ神話の中でも数多く残されています。青写真という技法を使って、日光を利用した制作をカラスと結びつけることができないかと思い、日光写真を使った制作を始めました。

カラスには、黒といった不吉なイメージもあって負の印象が強いのですが、それに対して、幸せの青い鳥というワードもあります。青い鳥に黒い鳥を変換させてみたら、カラスの見え方がどう変わるんだろうといった実験的な意味も込めて制作しました」と述べています。

以上、名古屋城が舞台となった「アートサイト名古屋城 2024 あるくみるきくをあじわう」についてご紹介しました。江戸幕府初代将軍、徳川家康によって1615年（慶長20年）に築城された名古屋城の歴史を感じながら、アート作品の数々に酔いしれてみてはいかがでしょうか。

■アートサイト名古屋城 2024 あるくみるきくをあじわう

会期：2024年11月28日（木）～12月15日（日）

開園時間：9:00ー16:30（閉門 17:00）

作品観覧時間：10:00ー16:30

・西の丸御蔵城宝館、乃木倉庫、本丸御殿への入館は16:00まで

・天守閣には現在入場できません

・12/6、7、8は「ナイトミュージアム名古屋城」に併せて夜間公開します

■ナイトミュージアム名古屋城

会期：2024年12月6日（金）・7 日（土）・8 日（日）

開園時間：9:00ー19:30 （閉門 20:00）

作品観覧時間：10:00ー19:30

・西の丸御蔵城宝館への入館は 16:00 まで

・乃木倉庫、本丸御殿への入館は 19:00 まで

・天守閣には現在入場できません

顧剣亨「Tortoise Mountain TV Tower, Wuhan」2022 ©Kenryou Gu, Courtesy of Yumiko Chiba Associates.

執筆者：遠藤友香

創業以来、美術品、ワイン、映像フィルムなどの専門性の高い保存保管事業を手掛けている寺田倉庫。1975年に美術品保管サービスの提供を開始し、美術品修復・梱包・輸配送・展示など、芸術家の情熱や美術品に込められた価値を未来に受け継ぐためのサポート事業も広く展開してきました。2020年12月、作家やコレクターから預かっている貴重なアート作品を中心に公開する芸術文化発信施設としてオープンしたのが、現代アートのコレクターズミュージアム「WHAT MUSEUM（ワットミュージアム）」です。作家の思いはもちろん、コレクターが作品を収集する際のこだわりとともに作品を展示しており、コレクションごとに様々な分野の背景が織り交ざっているのが特徴のひとつ。

「WHAT MUSEUM」では2025年3月16日（日）まで、コレクターの高橋隆史氏の現代アートのコレクションに焦点をあてたT2 Collection「Collecting? Connecting?」展と、美術家・奥中章人氏による体験的なバルーン状のインスタレーション作品を展示する奥中章人「Synesthesia ーアートで交わる五感ー」展を同時開催中です。

 T2 Collection「Collecting? Connecting?」展は、株式会社ブレインパッドの共同創業者であり、ビッグデータ・AI領域で活躍する高橋隆史氏が、約6年前から収集してきた現代アートのコレクションです。本展では、高橋氏がコレクターとして歩みはじめて最初に購入したベルナール・フリズの作品をはじめ、宮島達男、名和晃平、和田礼治郎など、近年惹かれているコンセプチュアルな作品を中心に約36点を紹介しています。

現代を生きる作家が、社会や芸術、文化、政治などのテーマを取り上げながら、自身のメッセージを多様な形で表現していることが特徴でもある現代アート。同じ時代を生きている私たちが作品と向き合うことで、自分自身との繋がりや新たな視点を発見することができます。 

高橋氏もコンセプトやビジョンを世界に問うという点で、作家と起業家に共通する側面を見出し、コレクションを始めたといいます。特に作家が新たな挑戦として制作した作品や、若手作家による作品のコレクションに力を入れているとのこと。コレクションしていく中で、作家・コレクター・アート関係者とのコミュニティが生まれ、作品を集めることだけでなく、さまざまな人や価値観、思考とコネクトすることが喜びだと感じているそう。そして、総体として振り返ると、それら点と点の繋がりが思いがけず星座のように意味を為すことがあるといいます。

次に、T2 Collection「Collecting? Connecting?」展の中でも、おすすめの作品を5点ピックアップします。

1．宮島達男《Painting of Change - 003》

宮島達男「Painting of Change - 003」, 2020

宮島達男 Painting of Change - 003 2020 180 x 128.4 x 3 cm キャンバスに油彩 協力：SCAI THE BATHHOUSE 

宮島達男氏は、デジタルの数字をアート作品として発表することで有名なアーティストですが、実はパフォーマンスアートが原点になっています。通常、そのままのデジタルを使って作品を作ることが多いのですが、今回初めての試みとなる、鑑賞者がサイコロを振り、その出目によって学芸員が数字を変えていくといったデジタルとアナログが組み合わさった作品となっています。

鑑賞者は、作品を鑑賞するのみならず実際に参加でき、これは宮島氏のルーツを辿る作品とも言えるでしょう。数字が変わると、展示室の雰囲気も変わっていくという面白い作品です。

2．堀内正和《平面 N-A》

こちらの3点の作品は、コレクターの高橋氏が今後のコレクションの方向性をどうしていくのかを示唆するようなものになっています。高橋氏はコレクションをしていくとき、何か方向性を考えてコレクションするのではなく、出会った方や作品の意図、作家の伝えたいメッセージ等から作品を集めていくことが大きな特徴です。

高橋氏は約6年間コレクションを続けてきて、今後どうしていくのかを熟考している最中だといいます。実は、現代アートの世界で美術館のキュレーターの育成や批評家の育成といったソフトの面でも応援していきたいという気持ちがあり、コレクションを今後続けていくのか迷っている状況だそう。このような大きな展覧会を公にするのは、最初で最後になるかもしれないと述べています。

3点の中でも右の作品、堀内正和氏の《平面 N-A》に注目してみましょう。彼は、発注芸術を最初期に日本で行ったアーティストとして知られています。発注芸術とは、作品の制作において、素材を加工する過程を芸術家が第三者に発注する芸術のこと。この作品に関しては、堀内氏の特徴が非常に出ている作品になっており、鉄を素材に制作をしはじめた初期は線と面を組み合わせた形が多くありましたが、後の時代になると大変ユーモラスな作品を数多く生み出しています。

60年代の作品《平面 N-A》は、堀内氏の初期の特徴とその後の特徴が融合した作品となっています。タイトル通り、横から見るとNが見え、また上から見てもNが見えてきます。反っている形は、まるで舌を出しているようにも見えます。時代が進むと作品の酸化が進み、色の変化が表れるなど、表情がどんどん変わっていく作品となっています。

3. 松山智一《Baby, It's Cold Outside》

松山智一「Baby, It's Cold Outside」2017 ©Tomokazu Matsuyama  

松山智一氏は、NYにおいて今大変活躍している世界的アーティストの一人です。20年以上前に、単身NYに渡りました。ちょうど同時多発テロの直後だったといいます。

松山氏は、元々アーティストを目指していたわけではありませんでした。最初は大学で経済学を学んでおり、その後何かを作りたいという思いから、グラフィックデザイナーを目指しました。ですが、グラフィックデザインはクライアントの要望に応えなければならないといった、実は何かを自由に表現できる職業ではないということに気がつき、そこで絵を描き始めました。

20年間NYで暮らしていく中で、NYは文化や人種、宗教、価値観、考え方など、色々なものが混ざり合った街であると感じたといいます。日本人としてマイノリティとして、NYで活動していくうえで、松山氏は自分をどう表現していくべきかを模索しました。彼にとって、それはまさに闘いでした。

松山氏の作品の特徴として、アジアと欧米のニュアンスといったものからインスピレーションを得た作品が数多く存在しています。今回展示している作品は2017年もので、この展覧会のためにアメリカから持ってきた作品となっています。よく見ると、動植物が多く描かれていて、非常に色鮮やかで綺麗な作品ではありますが、描かれている3名の人物は無表情です。

男性の足元には白い紙のようなものが描かれていますが、これは鑑賞者自身が自由に解釈し、自分なりのストーリーを作ってほしいという思いが込められているのかもしれません。松山氏自身がストーリーをどうしても伝えたいというよりも、色々な断片的なものを組み合わせて、鑑賞者の持つバックグラウンドや価値観で見て欲しいと考えています。

4．長田綾美《floating ballast》

長田綾美「floating ballast」2022 ©Ayami Nagata  

長田綾美氏の作品はインスタレーション作品で、卒展で制作されました。コレクターの高橋氏は、今後色々な面でのアートの支援育成にも非常に興味を持っているといいます。この長田氏の作品は非常に特徴的で、高橋氏は本作を購入しています。ですが、作家に自由に展示して欲しいという考えから、作家のもとに作品を置いています。高橋氏の姿勢がうかがえる作品になっています。

この作品《floating ballast》は、不織布とバラス石が組み合わさって作られています。近くで見ると非常に細かい作業であることが理解できます。不織布はマスクにも使用されますが、繊維を織らずに絡み合わせただけの破れやすい布です。バラス石は、船の底を安定させるために敷き詰める石です。

安定と不安定を象徴している素材を使用し、安定と不安定が共存する世界を表現しています。バランスの取れたものは、実は均衡がすぐに崩されやすいといった点も見て取れます。

5. 顧剣亨《Tortoise Mountain TV Tower, Wuhan》

顧剣亨「Tortoise Mountain TV Tower, Wuhan」2022 ©Kenryou Gu, Courtesy of Yumiko Chiba Associates.

こちらは、写真とカメラを用いて制作した作品を揃えて展示しているスペース。本展をWHAT MUSEUMがキュレーションする中で、高橋氏のリストを見ていくうちに、実はカメラや写真を使用した作品が多数あることに気づいたといいます。それを高橋氏に伝えたところ、本人は全くそれに気づいていなかったそうです。それを踏まえ、今回写真をテーマとした部屋を作っているとのこと。

各作品、カメラや写真を用いて、それぞれの作家が自分のコンセプト、テーマ、メッセージを昇華させて作品に反映しています。中でも、顧剣亨氏の作品《Tortoise Mountain TV Tower, Wuhan》に着目したいと思います。

全体を見た後、近くに寄って見てみると、色々な線が入っていることがわかります。縦にも横にも線が入り乱れて入っています。実は、4方向に撮影した写真を1枚に重ね合わせて、その後、顧氏がPCで自分の手で写真をピクセル単位で分解し、それらを織物のように編み込んでいます。顧氏がアナログでその作業を行っているので、消えているように見えるところがすごくまだらになっています。

よく見てみると、白く消えているように見えるもの、すごく細く消えているような場所があり、それは顧氏の身体性が作品に反映していることが見てとれます。顧氏はこの技法を「デジタルウィービング」と呼んでいるといいます。非常に細かい作業によって、幻想的な世界感を描き出している作品です。

次に、奥中章人「Synesthesia ーアートで交わる五感ー」展についてみていきましょう。

WHAT MUSEUM 展示風景 奥中章人「Synesthesia－アートで交わる五感－」展 ©Akihito Okunaka

奥中氏は、「空気と水と光」を題材に巨大な作品を制作し、鑑賞者の感覚を揺さぶる体験を生み出してきました。 展覧会タイトルである「Synesthesia（シナスタジア）」とは共感覚を意味しますが、奥中氏はこの言葉を独自に解釈し作品に落とし込みました。感覚することが、自然・社会・人を繋げる可能性になるのではないかと考え、作品も従来の形から有機的な形へと変貌しています。

WHAT MUSEUM 展示風景 奥中章人「Synesthesia－アートで交わる五感－」展 ©Akihito Okunaka

本展では、今回のために特別に制作された、最大直径12メートルにもおよぶバルーン状のインスタレーション作品を発表します。展示室いっぱいに膨らみ、さまざまな色に変化する作品の内側には、大きな水枕が置かれています。空気と水と光という「形のない」ものを媒介に、人々の感覚を呼び起こし響きあいます。形を持たないはずの存在を感覚することで、他者と身体的感覚を超えた「つながり」をも感じることでしょう。

奥中氏は、科学技術社会学の分野を中心に活躍した哲学者ブリュノ・ラトゥールの影響を受けています。元々学んでいた教育学と社会学に、自然と社会の二元論を支柱とした近代のあり方を見直すことを提唱するラトゥールの思想が加わっています。本展示では、奥中氏の哲学的思考から生まれた作品の背景や、作品に落とし込むプロセスの一端も展示資料でご覧いただけます。 

実際に作品に触れ、中に入り、寝転びながら、五感を交えた体験をしていただくことで、自然や社会、他者との「つながり」を感じるきっかけになることでしょう。車椅子の方もバルーン状のインスタレーションの中に入ることができるので、ぜひ体感してみてください。

＜高橋隆史（たかはし たかふみ）氏プロフィール＞

株式会社ブレインパッド共同創業者／取締役会長、一般社団法人データサイエンティスト協会代表理事

慶應義塾大学大学院政策・メディア研究科修士課程修了後、外資系コンピューター会社を経て、2000年より起業家に。ビッグデータ及びAI活用を推進するブレインパッドは2社目の起業にあたる。 以来、日本におけるデータ活用の促進のために、様々な活動を展開。 現代アートの購入は、友人の誘いで2018年から開始し、多くの喜びを得る。現在はその楽しさを広げ若いコレクターを増やすために、起業家の集まりであるEOにおいて現代アート同好会を発起して幹事を務める。その他、アート業界のジェンダー不平等を解消に取り組む米国National Museum of Women in the Arts (NMWA) の日本支部の委員など、現代アート業界における様々な課題解消のための活動にも積極的に参加している。

＜奥中章人（おくなか あきひと）氏プロフィール＞

1981年京都府に生まれる。同地在住。美術家／あおいおあ共同代表／木津川市山城総合文化センター体感アート講座主宰。

静岡大学教育学部卒業後、幼児／美術教育を専門に静岡県立美術館ならびに障がい者施設にて美術あそび講師を務めたのちに、近現代の思想を学び美術家となる。野村財団、朝日新聞文化財団などの助成を得て、フランス・韓国・中国にて特別研究員として研鑽を積む。ヒト・モノ・コトのダイナミズムを水・空気・光の性質や在り方を通して追求することをテーマに、各地の地域アートにてワークショップを多数開催し、体験的な巨大作品を国内外で発表している。

以上、コレクターの高橋隆史氏の現代アートのコレクションに焦点をあてたT2 Collection「Collecting? Connecting?」展と、美術家・奥中章人氏による体験的なバルーン状のインスタレーション作品を展示する奥中章人「Synesthesia ーアートで交わる五感ー」展についてご紹介しました。現代アートの世界感を味わいに、ぜひ会場に足を運んでみてくださいね。

■T2 Collection「Collecting? Connecting?」展 

会期：2024年10月4日（金）～2025年3月16日（日） 
会場：WHAT MUSEUM 1階SPACE1 / 2階（東京都品川区東品川 2-6-10 寺田倉庫G号） 
開館時間：火～日 11：00～18：00（最終入館17：00） 
休館日：月曜（祝日の場合、翌火曜休館）、年末年始 
入場料：一般 1,500円、大学生/専門学生 800円、高校生以下 無料 
※同時開催の展覧会 奥中章人「Synesthesia ーアートで交わる五感ー」展の観覧料を含む 
※チケットはオンラインにて事前購入可 
※本展会期中に何度でも入場できるパスポートを販売 
展覧会パスポート  2,500円（本展と同時開催中の展覧会が鑑賞可能） 
主催：WHAT MUSEUM 
企画：WHAT MUSEUM 
特別協力：高橋隆史 
URL：https://what.warehouseofart.or... 

■奥中章人「Synesthesia ーアートで交わる五感ー」展 

会期：2024年10月4日（金）～2025年3月16日（日） 
会場：WHAT MUSEUM 1階SPACE 2（東京都品川区東品川 2-6-10 寺田倉庫G号） 
開館時間：火～日 11：00～18：00（最終入館17：00） 
休館日：月曜（祝日の場合、翌火曜休館）、年末年始 
入場料：一般 1,500円、大学生/専門学生 800円、高校生以下 無料 
※同時開催の展覧会の観覧料を含む 
※チケットはオンラインにて事前購入可 
※本展会期中に何度でも入場できるパスポートを販売 
展覧会パスポート  2,500円（本展と同時開催中の展覧会が観覧可能） 
主催：WHAT MUSEUM 
企画：WHAT MUSEUM 
協力：木津川市山城総合文化センター アスピアやましろ、住化積水フィルム株式会社、株式会社寺岡製作所、株式会社ホロ
グラムサプライ 
URL：https://what.warehouseofart.or...

執筆者：遠藤友香

野村不動産株式会社と、東日本旅客鉄道株式会社は、共同で推進している国家戦略特別区域計画の特定事業である「芝浦プロジェクト」の街区名称を「BLUE FRONT SHIBAURA（ブルーフロント芝浦）」に決定しました。「水辺ならではのライフスタイルを創造し、これを広め、東京のベイエリアをつないでいく」ことを目指し、更なる成長が期待できるベイエリアから、東京の発展に寄与していくとのこと。

本プロジェクトでは、浜松町ビルディングの建替事業として、高さ約230mのツインタワーの建設を予定しています（S棟：2025年2月竣工予定、N棟：2030年度竣工予定）。区域面積約4.7ha、延床面積役55万㎡の、オフィス・ホテル・商業施設・住宅を含む、約10年間に及ぶ大規模複合開発です。

本プロジェクトの開発意義は、ベイエリアと東京都心部の結節点「つなぐ“まち”」の創出にあるといいます。「東京ベイエリア」は、複数の大規模開発が控え、今後の成長が期待されています。都心有数の舟運ターミナルである「日の出ふ頭」や、芝浦エリアを流れる「芝浦運河」と近接しており、この立地を活かし、舟着場整備および舟運の新航路開拓等を行うことで、新たな交通手段として注目される舟運の活発化や水辺のにぎわい創出に取り組み、ベイエリア各地の水辺をつなぐそう。

また、羽田空港から都心部への玄関口である「浜松町駅周辺エリア」は、今後複数の大規模開発が進むことで、観光客等の来街者および就労人口の増加が見込まれる注目すべきエリアです。2025年春頃には、本プロジェクトと「浜松町駅との緑のアプローチ」が開通し、利便性が向上します。主要鉄道駅から水辺へのアクセスを改善することにより、ベイエリアと東京都心部をつなぐことを実践していくとのことです。

本プロジェクトの建築デザインは、槇総合計画事務所による建築計画によるもので、世界最大の水都であった江戸の歴史を踏まえ、東京の陸と海の調和を取り戻す開発を目指すことにあります。特徴的な2つのタワーと、開かれた低層部にそれぞれポイントがあります。

芝浦プロジェクトの少し形態の異なった2本のタワーは、「ふたつでひとつ」といったまるで夫婦のような考えのもと、抽象的で力強い彫刻的表現をつくり出すデザインとなっています。離れた場所から見ても、その2本のタワーのシルエットは見る角度により様々な姿に変化し、スケールを消し去ったミニマリズムな彫刻のように見え、一度見たら忘れられないシルエットになることでしょう。カーテンウォールの外壁は、水面のように情景を捉えて周囲の空を映し出します。

高層ビルの複合開発において懸念材料となるのは低層部であり、スパンの短いタワーの柱が地上まで降りてきてしまうのが一般的です。それによって、内部と外部が分断され、内部と一体性がないプラザ等が形成されがちです。そのため今回のプロジェクトでは、その問題を解決するための特殊構造により、18mの柱スパンを実現させ、内部と外部が連続した広がりのあるプラザを創りあげています。

東京はこの100年間で、関東大震災と東京大空襲で2度も壊滅的な状況になり、記憶喪失な都市とも言われています。そういった中でも、注意深く観察していくとその場所には何かしらの記憶があり、それを発見して後世に引き継ぐことが重要だと、野村不動産株式会社と東日本旅客鉄道株式会社は考えています。

江戸時代には世界有数の水都であり、芝浦プロジェクトの敷地は、海に面したものでした。しかしこの半世紀の国土開発によって埋め立てが進み、東京の都市自体、内陸側を中心に開発され、海に背を向けたような状況になってしまいました。

この度の芝浦プロジェクトでは、その重心を再度海側に向かせるきっかけになることを期待しているそう。また、すぐ近くには、日本の伝統的な文化遺産である旧芝離宮恩賜庭園があります。江戸時代からその周りの建物は時代と共に多様に変化してきましたが、旧芝離宮恩賜庭園自体は変わることなく、昔のままの姿を保っています。それはまさしくサステナビリティの存在と言えるでしょう。

（左から）株式会社 野村不動産 芝浦プロジェクト企画部長 四居淳氏、アーティスト 鈴木康広氏、槇総合計画事務所 代表取締役 亀本ゲーリー氏、「BLUE FRONT SHIBAURA」アート＆カルチャー プロデューサー 小林裕幸氏

2024年11月26日には、「BLUE FRONT SHIBAURA」を設計する槇総合計画事務所のトークイベント「CULTURE FRONT」が開催されました。槇総合計画事務所 代表の亀本ゲーリー氏、まちに作品を展開するアーティストの鈴木康広氏をお招きし、プロデューサーを務める小林裕幸氏とともに、東京ベイエリアの文化とライフスタイルの可能性についての考察がありました。

亀本氏は「都市の中のリビングルームのような環境をつくり出せれば、産業地域が人を中心にしたまちづくりの核になってくれるのではないかと考えました。この計画によって、歴史的な420年前の芝離宮と浜松町駅を挟んで、2棟のタワーの間に大きな広場を取り、敷地全体が公園のような環境をつくり上げれば、コミュニティをつくる第一歩になるのではないかといった発想で設計を進めてきました。

そして、建築とは違うアートと文化といったものをオーバーレイしていくと、人々にもう少し親しみやすいような計画になるのではないかと思いました。今回、芝浦にまた新たな文化のファーストステップとして、素晴らしいアーティストの鈴木さんとコラボレーションできるというのは、非常に喜ばしいことだと感じています。

槇総合計画事務所の創立者 槇文彦が『建築は発明ではなく発見である』という言葉を残しており、この場所での歴史から始まり、未来に対するプロジェクトの可能性を感じていただければと思っています」と語りました。

鈴木氏は「そこに新しい場所をつくるというとき、すでに地球はあって、大地はあって、空気はあって、海があって、川が流れていたりなど、元々あるものの魅力を発見するということが、僕の創作活動の最初のきっかけでした。

大海原に繋がるこの入口の部分をどう人と繋げるか、ということがとても重要だと思っています。大自然の中で、あるいは程よい自然の中で人が過ごす時間、この都市だからこそ、この都市の中に潜んでいる自然を自ら見つけていけるような、そういう発想ですね。僕も東京に出てきて初めて気づけたことが多くあったと思っていまして、そういった現代の人たちが、もう一度都市の中でこそ発見できる自然みたいなことを、逆にじかに感じられるといった装置を作っていきたいというふうに思っています」と述べました。

以上、「BLUE FRONT SHIBAURA」についてご紹介しました。ぜひ、東京ベイエリアの文化とライフスタイルの可能性について考えるきっかけになれば幸いです。

執筆者：遠藤友香

芸術を介した相互理解と共生の視点に立った新しい文化の創造に寄与することを使命に、2007年、独立行政法人国立美術館に属する5番目の施設として開館した「国立新美術館」。以来、コレクションを持たない代わりに、人々がさまざまな芸術表現を体験し、学び、多様な価値観を認め合うことができるアートセンターとして活動しています。

国立美術館では、「荒川ナッシュ医　ペインティングス・アー・ポップスターズ」展を、2024年12月16日（月）まで開催中です。荒川ナッシュ医は1998年にニューヨークへ渡り、2000年代半ばから美術館やギャラリーを舞台としたパフォーマンス・アートの発展に精力的に関わってきました。欧米ではニューヨーク近代美術館（2011、2012、2013年）やテート・モダン（2012、2021年）をはじめ、数多くの美術館でパフォーマンスを披露しています。その一方で、日本国内では、越後妻有アートトリエンナーレ（2006年）や横浜トリエンナー（2008年）において彼の初期活動は紹介されていたものの、美術館での個展はこれまで開催されたことがありませんでした。今回の展覧会は、国立新美術館にとって初めてのパフォーマンス・アーティストの個展です。多様な世代の人々の参加を促す本展は、荒川ナッシュの全方位の活動を示す新しい形式の展覧会と言えます。

本展では、一人のアーティストの個展でありながら、荒川ナッシュが敬愛する画家たちの絵画が会場内に登場します。それぞれの絵画を存在感のあるポップスターと見做し、その絵画のアティチュード（姿勢）から発案された幾つもの協働プロジェクトを発表します。その他、音楽家や文筆家の作品も登場します。また、誰でも美術館の床に絵が描ける作品など、入場無料でどなたでも楽しめ、絵画とパフォーマンスの近しい関係を探る新しい試みとなることでしょう。

今回、子ども、絵画、歴史、音楽、身体、会話、そしてユーモアがアンバランスに作用しあう荒川ナッシュの展覧会の中から、おすすめの作品を5点ピックアップします。

1．絵画と公園

かつて「美術の墓場」と呼ばれた美術館は、21世紀では公共の場として大きく開かれつつあります。日本の公共の場でアートを提示した先駆的作品として、1956年に芦屋公園で披露された吉原治良の《どうぞご自由にお描きください》（1956年）があります。荒川ナッシュはこの作品に敬意を表して、2021年にテート・モダンで《メガどうぞご自由にお描きください》を発表しました。美術館の床がカンヴァスとなり、子どもたちの水性絵具による無作為の振る舞いによって、床にコンポジションが表れます。子どもたちの際限のない描く行為によって、再三にわたり埋め尽くされていきます。

展覧会の始まりの章では、この《メガどうぞご自由にお描きください》が登場。お子さんと一緒になって、大人の方も床に自由に絵を描くことができます。いつもは作品を観る美術館で、作品の中に入って絵を描く、楽しい特別な体験となるはず。荒川ナッシュと一緒にくるくるまわったり、ルンルン歩いたり、ポップに踊るパフォーマンスも実施します。

2．絵画と子育て

人生はパフォーマンス・アートではありませんが、しかし時折、人生の転機がパフォーマンス・アートになり得ます。荒川ナッシュとその夫フォレストは、アメリカで卵子提供と代理出産を経て、双子の子どもを授かる予定です。

作品のカウントダウンは帝王切開予定日の2024年12月30日を示していますが、もし双子が34週で生まれた場合、会期終了前にこのカウントダウンは終了します。今、展覧会にあわせて荒川ナッシュは来日していますが、出産を迎えることになった場合、彼はここにはいないでしょう。

アーティストとしての活動と子育ての両立は、荒川ナッシュの重要なテーマであり、美術史では女性アーティストによって最初に提起されたジレンマです。本セクションでは、今まさに子育てに励むアーティストたちの作品、そして子育てを主題とした作品を紹介します。

3．絵画といわき

2000年代前半のニューヨークのアートワールドには、白人男性を中心とした排他的な雰囲気が漂っていました。2008年のリーマンショック後にようやくアートワールドが倫理的な変化を迎えていた中で、2011年3月11日に東日本大震災が起こりました。福島県いわき市出身の荒川ナッシュにとって、福島第一原発事故の報道は抽象的かつリアルなものであり、地元に住む家族とニューヨークのアートワールドという乖離していく2つの現実のはざまで、彼はこれらを接続する必要に駆られました。

荒川ナッシュは、料理好きの母親や日焼けサロンを経営していた兄にアート活動に加わってもらうことで、プロフェッショナルであることが前提とされるアートワールドの機構に対して、一定の距離を置きました。非プロフェッショナルな人々の介入によって、アートそれ自体が失敗するかもしれないという危うさも、また荒川ナッシュのパフォーマンスが企図するところです。

4．絵画と音楽

荒川ナッシュは2013年から作曲家と協働し、知られざる文脈を題材としたポップなミュージカルを美術館や芸術祭を舞台に演じてきました。例えば《パリスとウィザード》（2013年）では、ニューヨーク近代美術館のビデオを専門とするキュレーターが、1970年代後半に京都を訪れ同地のアーティストと交流した事実を、キャッチーなメロディとともに演じました。

「絵画が歌う」というコンセプトのこのセクションでは、荒川ナッシュのニューヨークの友人であるミュージシャン、キム・ゴードンや、本展のために依頼した日本のミュージシャン、松任谷由実、松任谷正隆、寺尾紗穂 、ハトリ・ミホといった4名の協力を得て、ポップ・ミュージック、近代絵画、現代美術といった領域を横断する4つのインスタレーションが実現しました。実際の絵画作品の前に立ちながら楽曲を聴くという総合的な体感は、本展期間中のみ感じることができる儚い特権といえるでしょう。これら4つのプロジェクトには、音楽、戦争、そして平和のテーマが通底しているのも特徴です。

5．絵画とパスポート

2024年の終わりにアジア系アメリカ人の子どもを授かる荒川ナッシュは、日本という概念に執着してしまう自身に焦燥感を覚えるといいます。2010年代の数年間、彼はパフォーマンス・アーティストとして1年のうち180日近くをアメリカ国外で活動していました。そのため、彼は実利的な理由から2019年にアメリカ国籍を取得し、法的に日本人であることを辞めました。国籍を変更して日本人としての固定観念を拭い取ることで、移民第一世代である親としての自分と、来るべき子どもたちとの間の良好な関係を築くことができると考えたのです。

本セクションでは、日本国外で活動した日本にルーツを持つアーティスト、ミヨコ・イトウ、桂ゆき、河原温、国吉康雄、ルイス・ニシザワの作品を介して、ジャパニーズ・ディアスポラについて考察します。会期中に行われる荒川ナッシュのパフォーマンスでは、アメリカのアーティストの労働条件を取り扱います。

最後に、荒川ナッシュのインタビューをご紹介します。

荒川ナッシュ医氏

「コラボレーションするときに私はあるグループ、例えばLGBTQIA+やいわきのコミュニティ、震災や原発の文脈、はたまた移民やアジアの文脈など、色々な共同体に関わります。それらの社会的な状況を観察し、どの部分に私は関与していて、どの部分に関与していなかったかということを考えます。その同一であることと非同一であることの繰り返しに、私はパフォーマンスを認識します。今回展覧会に9つ以上の色々なグループがあるのですが、そういった色々なグループの境界を観客と移動していく行為、群像劇が、私のパフォーマンス・アートと言えるでしょう。

ちなみに12月8日（日）には、ニューヨーク在住の美術史家の富井玲子さんと、美術のカタログデザイナーの森大志郎さんがトークイベントをします。普通のトークではなく、何もないがらんどうの展示空間での特殊なイベントなので、ぜひお見逃しなく」。

国立美術館では、本展会期中の毎週日曜日に、ファミリープログラム「家族で！ みんなで！ メガメガサンデー」を開催しています。「メガメガサンデー」のサンデーの主役は子供たちとファミリー。子どもから大人まで、誰もが気兼ねなく美術館を楽しめる特別な日曜日です。

また、本美術館は、子育て中の方の育児支援および展覧会をご覧いただく方への来館者サービスの一環として、「託児サービス」を月3回実施していますが、2024年12月まで月10回に拡充して実施中です。利用者からは「久しぶりにゆっくり美術鑑賞ができて嬉しかった」「価格もお手頃で有難い」「また利用したい」といった好評の声をいただいています。育児中で美術館が久しぶりの方や初めての方も、ゆっくりと美術館を楽しむことができます。

以上、「荒川ナッシュ医　ペインティングス・アー・ポップスターズ」展についてご紹介しました。国立新美術館においては、2007年の開館以来初となるパフォーマンス・アーティストの個展をぜひご堪能ください。

＜荒川ナッシュ医プロフィール＞

1977年福島県いわき市生まれ。1998年からニューヨーク、2019年よりロサンゼルスに居住する米国籍のクィア・パフォーマンス・アーティスト。様々なアーティストと共同作業を続ける荒川ナッシュは、「私」という主体を再定義しながら、アートの不確かさをグループ・パフォーマンスとして表現している。現在、ロサンゼルスのアートセンター・カレッジ・オブ・デザイン、大学院アートプログラム教授。近年の主な個展に次の会場でのものがある。クンストハレ・フリアール・フリブール（フリブール、2023年）、テート・モダン（ロンドン、2021年）、アーティスツ・スペース（ニューヨーク、2021年）等。グループ展に次の会場でのものがある。センター・フォー・ヘリテージ・アーツ&テキスタイル（CHAT）（香港、2024年）、ジャン大公近代美術館（ルクセンブルク、2021年）、ホノルル・ビエンナーレ（2019年）、ミュンスター彫刻プロジェクト（2017年）、ベルリン・ビエンナーレ（2016年）、光州ビエンナーレ（2014年）、ホイットニー・ビエンナーレ（ニューヨーク、2014年）等。パブリックコレクションに、ハマー美術館（ロサンゼルス）、ニューヨーク近代美術館、ルートヴィヒ美術館（ケルン）、セラルヴェス現代美術館（ポルト）、ワルシャワ近代美術館等。

■「荒川ナッシュ医　ペインティングス・アー・ポップスターズ」展

会期：2024年10月30日（水） ～ 2024年12月16日（月）

休館日：毎週火曜日

開館時間：10：00～18：00

※毎週金・土曜日は20:00まで

※入場は閉館の30分前まで

会場：国立新美術館　企画展示室2E

東京都港区六本木7-22-2

主催：国立新美術館 

協力：タカ・イシイギャラリー、株式会社中川ケミカル

観覧料：無料

お問い合わせ：050-5541-8600（ハローダイヤル）

執筆者：遠藤友香

東京大学とソニーグループ株式会社が連携して進める「越境的未来共創社会連携講座（通称：Creative Futurists Initiative、以下CFI）」は、講座内の実践研究プロジェクトの成果発表展として、2024年11月23日（土）～25日（月）の3日間、東京大学本郷キャンパスにおいて、テクノロジーを取り巻くバイアス「Tech Bias（テックバイアス）」をテーマにした「Tech Bias —テクノロジーはバイアスを解決できるのか？―」展を開催しました。

CFIは、アート・デザイン・工学を通じた創造的アプローチを用いて、未来に向けた問題提起と課題解決を行う「クリエイティブ・フューチャリスト（Creative Futurist）」を育成し、社会課題に向けた批評的かつ分析的な実践研究を推進することを目標に掲げています。

東京大学大学院情報学環 筧康明教授

CFIの目標を達成すべく、2024年2月より10か月間に渡って進められてきたのが、「テックバイアス」プロジェクトです。テックバイアスは、情報学環の教員とソニーの担当者とでプロジェクトの方針を定め、運営を行いました。東京大学からはマテリアル・エクスペリエンス・デザインが専門の筧康明特任教授、フェミニズムとカルチュラル・スタディーズが専門の田中東子特任教授が、ソニーからは戸村朝子氏、大西拓人氏、小薮亜希氏、細谷宏昌氏の4名が中心となり、参加する学生およびソニーの社員と共に企画は進められました。

テックバイアスプロジェクトは、テクノロジーの開発や実装化、使用に際してバイアスのある状態を零度に設定してしまうことで不可視化され、認識の外に放り投げられ、顧みられることのないまま、あたかも標準的なものであるかのような顔をして大手を振るっている「不完全な技術／テックバイアス」を、それぞれのグループが見つめ直し、洗い直し、作り直していく試みです。

現在、私たちは日常的に多くのテクノロジーに取り囲まれて生活しています。むしろ、取り囲まれていることに気づくことさえなく、それらに依存しながら暮らしています。そして、私たちは無意識のうちにテクノロジーは便利なもの、生活を助けてくれるもの、人間にとって善きものであると考えてしまっていると、CFIは述べています。

「しかし、私たちを取り囲む様々なテクノロジーは、本当に善きものなのでしょうか？ テクノロジーが開発される際に、私たちが中心に捉え、基準とし、標準化している人間像とは一体どのようなものなのでしょうか？ それは、ある種のジェンダー的特性、年齢や体のサイズ、人種、『できること』を前提とした、『標準化された身体』を伴った人間像なのであり、それ以外の様々な人たちを知らず知らず排除してしまう人間像なのではないでしょうか？」と疑問を呈しています。

プロジェクトを進めて行く際に運営側が望んでいたのは、専門性の違い、ジェンダー的な差違、社会人と学生の視点の違い、年齢の違い、言語的差違、できること・できないことの違い、得意・不得意の違いなど、様々な「差違」や「違い」の間に生じる葛藤や紛糾や理解の齟齬、そこから生じる格差や溝といったものへの感受性を研ぎ澄ましてもうらうことだといいます。その研ぎ澄まされた感覚に基づいて、テクノロジーを取り巻く見えないバイアスを発見し、それらを可視化することのできる作品を制作することで、新しい作品が出来上がったそうです。

今回、中でも3つのプロジェクトに注目してご紹介します。

1．《聴こえないのは誰なのか？》白木美幸、劉カイウェン、香川舞衣、Tang Muxuan、増田徹、百田竹虎、甲林勇輝

作品《聴こえないのは誰なのか？》は、私たちが「ふつう」にあるべきとされるコミュニケーションの絶対不可能性をテーマにしています。一見「円滑」に進むコミュニケーションは、実際には特権性を内包する規範の連関によって成り立っていると、作家の白木美幸氏、劉カイウェン氏、香川舞衣氏、Tang Muxuan氏、増田徹氏、百田竹虎氏、甲林勇輝氏は考えています。そこには、「言い聞かせる」特権者と、「聴こえない」「聴かれることができない」立場に置かれる弱者が存在していると指摘します。

例えば、なぜイヤホンで音楽を聴き、スマホで情報を取り入れる私たちは、自分が補助されている存在であることに気づかないのでしょうか？ それは、ある種の身体がすでに「ふつう」「規範的」と措定され、他の身体経験が「障害のある」と規定されているからではないでしょうか。「男性はこういった服を着るべき」「女性はそういった話し方で会話すべき」など、私たちは常に身体に装着する器官＝義肢の「正確な」使い方によって、ふつうの日常が担保されています。そして、その「正確さ」から逸脱する瞬間、私たちはこの「規範」が内包するいびつさや矛盾に気づくはずだと、作家たちは述べています。

テクノロジーは、障害を抱える人々に様々な利便性をもたらしています。しかし、それのみで障害が解消されると考えるのは、既存のバイアスを再生産し、新たな社会的障害を生み出す可能性を孕んでいると、作家たちは考えています。補聴器や音声認識アプリといったメディア＝義肢は、情報保障が必要な人々にとって確かに「補助」となり得ますが、「聴こえないなら使いなさい」と命令したり、「使っているから聴こえるはずだ」と決めつけたりするとき、それは「個人モデル」の認識枠組みを維持しながら、利用者に負担を強いるに他なりません。むしろ、こうした障害のある身体を「ふつう」のコミュニケーションの仕方に適応させる構図で、多数の補助デバイスの開発が進められている現状が危ういと、作家たちは危惧しています。

2．《scored?》高橋宙照、Yating Dai、山本恭輔、Hao Cao、松本翔太、菅野尚子

私たちが日頃目にする様々なWEBサイト。そのWEBサイトが、どのような人に向けられて作られているか意識することはあるでしょうか？ あるいは、皆さんがWEBサイトを制作するとなったときに、どのようなことに気をつけてそのサイトをデザインしますか？

山本恭輔氏

作品《scored?》は、テクノロジーに隠されたジェンダー的な偏りをAIによって視覚化させる作品です。画面に表示されているWEBサイトは、作家たちが男性／女性らしさの基準でAIにスコアリングさせ、点数順に並べたものです。鑑賞者はダイアルを回すことで、AIが持っているジェンダーバランスを体感することができます。

集められた700以上のWEBサイトを、今流行っている3種類の生成AI（ChatGPT、Gemini、Perplexity）によって分析して、それぞれの特性を抽出しながら特定のWEBサイトをジェンダーの観点でスコアリングしています。

AIの視点を導入することで、制作メンバーが持っている個々のバイアスが作品に入り込むことを回避しつつも、これまでの人類のアウトプットをデータベースとして、質問への回答を作り出すAIに分析をさせることで、これまでの人類の総和としてもバイアスにWEBサイトを採点させます。

この作品では、日々私たちが目にするジェンダー表象のあり方を再考し、日常に浸透するテクノロジーの中に潜む「隠れた偏り」を体感的に問いかけます。　

3．《ジェンダライズプリマル：動物鏡像儀式》李若琪、毛雲帆、西澤巧、梅津幹、熊暁、小松尚平、石坂彰、中岡尚哉、管俊青

1995年に誕生したプリクラ（PRINT CLUB／プリント倶楽部®）は、テクノロジーと表象文化の文脈から見るとき、極めて興味深い歴史的背景が存在すると、作品《ジェンダライズプリマル：動物鏡像儀式》の作家、李若琪氏、毛雲帆氏、西澤巧氏、梅津幹氏、熊暁氏、小松尚平氏、石坂彰氏、中岡尚哉氏、管俊青氏は述べています。

この画期的な写真機を開発したのは、RPG『真・女神転生』『ペルソナ』シリーズで知られるアトラス社です。一見すると、人間とは異なる存在との物語を描くダークファンタジーRPGと、若者たちの記念写真機という取り合わせには違和感を覚えるかもしれません。

誕生から長らく誰もが自由に使用できたこの空間では、近年多くの店舗において、防犯の観点から男性単独での入室が禁止されています。この制限は単純は排除ではなく、むしろプリクラという場が持つ複雑な社会的機能を浮き彫りにします。一方では、利用者が安心して自己表現できる場を確保するための措置でありながら、他方では新たな境界線を引くことになるこの制限は、現代社会が直面する本質的なジレンマを体現していると、作家たちは考えています。実際、一部の店舗では制限を撤廃し、代わりに設置場所の工夫や死角の除去といった空間設計による解決を模索しています。

技術による自己表現の可能性と限界を見つめ直すとき、私たちはより根源的な表象の問題に立ち返る必要があります。古来より、人間は動物に様々な意味を付与してきました。威厳、優美さ、自由さーこれらは単なる生物学的な特徴の描写を超えて、人間社会の価値観や理想を投影した表層として機能してきました。しかし、このような動物の性質についての物語は、あくまでも人間が作り上げた文化的な構築物に過ぎません。

本作は、「ジェンダライズプリマル」という名で、こうした文脈の中でプリクラの持つ性質を、より根源的に再解釈する試みです。「プリマル」は「プリクラ」と「アニマル」を組み合わせた造語であり、プリクラ文化と動物表象の融合という本作品の特徴を表すことを意図しています。

《ジェンダライズプリマル：動物鏡像儀式》はプリクラ撮影ができる作品で、ライオン、オオカミ、犬、猫、ウサギ、羊、イルカ、ペンギン、ドラゴン、カラス、クジラ等、好きな動物の中から4つプリクラに使用したいものを選択して撮影するというもの。

例えば、女性的・男性的な動物イメージが伝統的な男女役割のステレオタイプを反映しているのに対し、ノンバイナリー表現の動物イメージには、海洋や多様な環境に生息する動物が多いことが特徴として見られるといいます。

「ノンバイナリー表現に使われる動物」には、柔軟性や多様性、ジェンダーフルイドなどの表現があります。ドラゴンは年齢を重ねた多くの人に選ばれています。

「女性的な表現に使われる動物」には多様なイメージが見られ、独立や優雅さを象徴する動物が選ばれています。生命力と美しさ表すチョウチョは、年齢に関わらず多くの女性が選択しています。

「男性的な表現に使われる動物」に、若年男性はアニメ『ライオン・キング・シンバス』の影響を受けることが多く報告されました。勇気やリーダーシップを象徴するライオンを選ぶ傾向が強いといいます。

以上、東京大学とソニーグループの混成プロジェクトチームが、これまで行ってきたリサーチ、実験、および実践的な取り組みを通じて得られた知見を共有した「Tech Bias —テクノロジーはバイアスを解決できるのか？―」展についてご紹介しました。バイアスに対する理解を深めるとともに、テクノロジーがどのようにして公正な社会を実現するための力となり得るのか、考察の一助になれば幸いです。

■Creative Futurists Showcase #1「Tech Bias —テクノロジーはバイアスを解決できるのか？」

日時：2024年11月23日（土）～25日（月）11:00～18:00

会場：東京大学情報学環オープンスタジオ

入場料：無料（申込不要）

主催：東京大学×ソニーグループ 越境的未来共創社会連携講座